Gnadenloses Leben

Herr Silencer im April 2023

Heute ist der 173. November 2022

Wetter: Anfang des Monats -3 bis +5 Grad und ein Mix aus Regen und Sonne, monatsmitte bedeckt und einstellig bis in den Minusbereich, in der vorletzten Monatswoche ein wenig Sonne und ein, zwei warme Tage, dann wieder Kälteeinbruch auf Abends 1 Grad.

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Kate [2022, Netflix]
Auftragsmörderin mit Arbeitsschwerpunkt Japan wird mit Polonium vergiftet. 24 Stunden bleiben ihr bestenfalls, und die will sie nutzen um ihre Mörder zu finden. Dafür metzelt sie sich durch die Unterwelt von Tokio, und schnell wird klar, dass sie es mit einer Yakuza-Fehde und einer Familiengeschichte zu tun hat.

Ich hatte nach dem Thema (AuftragskillerIN) und dem kurzen, nur aus einem Frauennamen bestehenden Titel schon fast befürchtet, hier nach „Nikita“, „Anna“ und „Lucy“ hier die nächste, in fünfjährlichem Abstand erscheinende Auflage von Luc Bessons Lieblingsquark zu sehen. Aber nein, weiter könnte man von den peinlichen Euro-Trash-Geschichten nicht entfernt sein: „Kate“ ist eine Mischung aus 20 Prozent „Bullett Train“, 20 Prozent „Crank“ und 40 Prozent „John Wick“, der Rest ist eigenständig.

An „Bullet Train“ erinnert Japan als exotische Kulisse sowie die gut ausgearbeiteten Charaktere, „Crank“ steuert die Situation des Hauptcharakters bei, die sich ständig mit Drogen aufputschen muss, um nicht ins Koma abzugleiten, und aus „John Wick“ stamm die DNA der Assassinen-Gilde und die handfeste Action.

Was Mary Elizabeth Winstead (John McClanes Tochter aus „Die Hard 4“) als todgeweihte Killerin hier abliefert, ist mehr als erstaunlich – schauspielerisch, aber auch was die Action angeht. Die Frau teilt so brutal aus und steckt noch brutaler ein, dass man teils nicht hingucken mag. Zwischen den wirklich sehr guten Actionpieces gibt es dazu eine überraschende Geschichte und Figuren, die meist nicht so schwarz-weiß sind, wie es zuerst scheint.

Sehr gelungener Actionstreifen – wer die Referenzen mag, wird hier exzellent unterhalten.

Titanic [1997, BluRay]
Leo und Kate und am Ende geht das Schiff unter.

Habe ich schon 25 Jahre nicht mehr gesehen, den Streifen. Und ich muss sagen: Er beeindruckt noch heute, obwohl er erkennbar ein Produkt der 90er ist. Das Storytelling und die Figuren sind meisterhaft ausgearbeitet, das ist wirklich großes Schreibhandwerk.

Was mit die ganze Zeit durch den Kopf ging: Der Film konnte so wirklich nur Ende der 90er entstehen, als die Tricktechnisch reif genug war, aber noch nicht so weit, dass alles hätte aus dem Rechner kommen können. Würde „Titanic“ heute verfilmt, dann würden die Innenszenen in Stagecraft gedreht und die Außenaufnahmen wären reines CGI.

„Titanic“ ist aber einer der letzten Hollywood-Blockbuster, der mit einem un-fucking-fassbar gigantischem Aufwand in echten Stages und mit hunderten von Statisten gedreht wurde, und das sieht man. Das heißt nicht, dass der Film arm an Effektshots ist, im Gegenteil. Aber hier werden alle Trickregister gezogen, von Modell- und Greenscreenaufnahmen zu Matte-Bauten zu echten Stages zu Perspektivtricks wechselt sich hier alles schnell ab, dass man selten auf Anhieb weiß, wie James Cameron das jetzt gerade wieder gemacht hat. Ausgerechnet einige der CGI-Shots sind es, die den Test der Zeit nicht mehr bestehen – wenn die Kamera über die (real nachgebaute) Titanic fliegt und währenddessen auf ihr CGI-Menschen rumtapsen, sehen die nicht gut aus, und auch digitales Wasser ist in den letzten 25 Jahren wesentlich besser geworden.

Tut der Sache aber keinen Abbruch, wenn die Titanic im eisigen Wasser versinkt, dann hat man eine dreistündige Reise hinter sich, die heute auch ein Stück Filmgeschichte ist.

Mare of Easttown [2021, DVD]
Kate Winslet ist Mare, eine schlechtgelaunte Polizistin in einer Kleinstadt. Für den Frust hat sie 989 Gründe, und dann wird auch noch eine Teenager-Mutter tot aufgefunden.

Besticht durch fast fühlbare Dramatik, die aus zwischenmenschlicher Interaktion entspringt, toll ausgearbeitete Charaktere und eine fantastische Besetzung. Insbesondere Kate Winslet spielt hier auf Oscarniveau, aber auch die sonstigen und recht unbekannten Schauspieler sind klasse.

Die Geschichte ist wendungsreich, versumpft aber ab und an zwischendurch – dann wird das Pacing so erratisch, dass ich mich mehr als ein Mal gefragt habe, was das hier eigentlich wird. Familiendrama? Beziehungstragödie? Oder doch Krimi? War das gerade Twin-Peakesk, ein Schuß „Schweigen der Lämmer“ oder meinen die das anders? Am Ende wird die Mischung aber so abgebunden, dass sie sehenswert ist.

Ärgerlich: Offensichtlich möchte HBO/Sky Digitalabos verkaufen, die physischen Datenträger enthalten entweder keine deutsche Tonspur (BluRay) oder bieten ein völlig unscharfes und verwaschenes Bild (DVD) – Hände weg von diesen Versionen! Im Ernst, ich habe tatsächlich am Fokus meines Beamers gedreht, weil das Bild so unscharf ist – ist aber nicht besser geworden, liegt wirklich an der DVD. Man soll halt HBO abonnieren und nicht Serien als Disc kaufen, so die eindeutige Botschaft.

Banshees of Inishnerin [2022, Disney+]
Irland, 1923: Der Bürgerkrieg ist weit weg, auf dem irischen Festland. Auf der kleinen Insel Inisherin geht man seinem bescheidenen Leben nach, verdingt sich in der Landwirtschaft und fiedelt sich abends einen im Pub. Colin Ferrell und Brendan Gleeson (die beiden aus „Brügge sehen …und sterben?“) leben hier schon ihr ganzes Leben und sind dick befreundet. Bis zu dem Moment, in dem Brendan dem Colin sagt, das er das nicht mehr möchte und fortan jeder Kontakt eingestellt werden soll. Colin ist vor den Kopf gestoßen, aber Brendan meint es ernst, und er ist bereit einen hohen Preis dafür zu zahlen.

Freundschaften zerbrechen oder versanden, dass sie einseitig und eindeutig beendet werden, passiert eher selten. Die Geschichte der beiden Männer schlägt leider nach der interessanten Ausgangssituation – eine Seite entschlossen, die andere verletzt und verzweifelt – den dümmstmöglichen Weg ein. Es wird sehr schnell unnötig eklig, alle Figuren bleiben fremd und handeln völlig erratisch. Dementsprechend haben auch die Schauspieler wenig zu tun, Gleeson guckt die ganze Zeit muffig und Ferrell trägt seinen „ich bin dumm“-Gesichtsausdruck, der immer irgendwie aussieht als hätte er Verstopfung, und den man ihm halt auch nicht abnimmt.

Der Verleih vermarktet den Film als Komödie, aber lustig, das sei deutlich gesagt, ist hier nichts. Lustig will der Film nicht im Ansatz sein, was er stattdessen will, bleibt aber – genau wie die früheren Werke des Regisseurs, „Brügge sehen“ und „Three Billboards…“ nicht klar. Irgendwie fühlen sich alle Filme von Martin McDonagh so an, als würde irgend etwas fehlen – bei „Banshees“ ist es der Wille zu einer Aussage.

Was bleibt sind schöne Bilder von Irland, weil die Figuren fast während der ganzen Handlung durchs Grüne laufen. Immerhin.

Beef [2023 Netflix]
Handwerker will ausparken, wird dabei aber von einem SUV blockiert und dessen Fahrerin angehupt. Es brennen Sicherungen durch, es kommt zu Beschimpfungen. Aus dem Road Rage entwickelt sich eine handfeste Fehde, denn die beiden stellen sich nach, finden raus wo sie jeweils wohnen und lauern sich auf.

Klingt nach Geheimtipp, und die erste Folge fühlt sich auch so an – koreanische Darsteller:innen in den USA, Hass im Alltag – da hätte einiges draus werden können. Leider versandet das hier aber alles in ziellosen Familiendramen und bescheuerten Nebenhandlungen. Ist halt der Netflix-übliche Quark: Als Film wäre das toll gewesen, als Serie gibt es einen starken Anfang und dann Versumpft alles in Beliebigkeit, weil irgendwie noch sechs Folgen zu füllen sind. Das Ende ist immerhin memorabel, aber so abrupt und out-of-character, das es beliebig wirkt.

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Resident Evil 4 Remake [2005, 2023, PS5]
Die Tochter des US-Präsidenten wurde entführt, in ein kleines Bergdorf in Spanien. Statt der Armee schickt der POTUS nur einen Mann los, der lediglich mit einer Pistole, einem Messer und einem Aktenkoffer bewaffnet ist. Damit muss er gegen Zombis, Werwölfe und Monster antreten.

Die Story von Resident Evil 4 ist anerkannt eine der dümmsten der Videospielgeschichte, das Game selbst aber ein wirklich gutes. In der Third-Person-Perspektive schleicht, kämpft und rätselt man sich hier durch spanisches Bergland. Das ist erstaunlich abwechselungsreich, neben Shooter- und Survivalpassagen gibt es im 2023er Remake sogar einen kleinen Open-World-Hub wie in den neueren „Uncharteds“, einen Hold-the-Ground-Standoff und, bäh, Bosskämpfe.

Alle Spielelemente werden aber nicht übertrieben häufig verwendet, hier nervt nichts durch überlange Wiederholungen. Auch schön: Für viele Bosse gibt es eine Abkürzung. Ich hatte arge Problem mit dem Bullet-Sponge von Endboss und hatte nach X Wiederholungen die Faxen richtig dicke. Zum Glück kann man beim Händler vor Beginn des Endkampfes sein Erspartes gegen einen Raketenwerfer eintauschen. Damit ein Schuß in die hässliche Fresse und zack, war die Qual vorbei.

Das Game ist kein Horror, nur manchmal ein wenig gruselig, meist aber vor allem: Spannend. Die Grafik ist sehr gut, die Engine ist die gleiche, die schon bei den neuen Teilen und Remakes der letzten Jahre verwendet wurde.
Sehr gutes Single-Player-Abenteuer, das für Liebhaber von Action-Adventures empfehlenswert ist.

Horizon: The Burning Shores [2023, PS5]
Maschinenjägerin Aloy erlangt Kenntnis davon, dass ein weiteres Far Zentih-Mitglied auf der Erde herumstrolcht. Der Mann war Billionär und hatte zu Zeiten der Zivilisation ein Raumfahrtunternehmen. Um die postapokalyptische Erde zu verlassen, reaktiviert er alte Maschinen und droht damit, die Westküste zu verseuchen. Aloy bricht auf, um den skrupellosen Mann in einem Inselarchipel zu stellen, das früher mal Los Angeles war.

Schöne Erweiterung des Hauptspiels, die direkt an das Ende der Handlung von „Forbidden West“ anschließt. Die Geschichte ist simpel, aber sorgfältig geschrieben und sehr gut inszeniert und bringt etwas, das „Horizon“-Spieler seit Teil eins fürchten: Das Wiedererwachen eines Horus, eine jener Maschinen, die einst die Welt verzehrten. Der Kampf gegen dieses Vieh ist wuchtig inszeniert und echt schwer, und auch ansonsten sind die brennenden Strände kein leichtes Gebiet.

Problematisch dabei: Der DLC kommt zu spät. Es werden nämlich sofort alle Skills verlangt, die man sich im Hauptspiel über rund 80 Stunden angeeignet hat – aber das ist ein Jahr her! Wer erinnert sich da noch daran, wie die ganzen Spezialsuperdupermoves gingen? Allein der Blicks ins Waffeninventar, in dem bei mir rund 40 Bögen, Speere, Handschuhe, Fallen usw. in bis zu fünf Ausbaustufen herumliegen, brachte mich fast zur Verzweiflung: Was war nochmal wofür gut?! Wie bedient man das? Waffenauswahl und Skilltree fand ich schon im Hauptspiel völlig überladen, und hier wird es nur noch schlimmer.

Storytechnisch wird deutlich, wie Protagonistin Aloy durch die Erlebnisse in „Forbidden West“charakterlich gewachsen ist. Sie lässt sich auf andere ein, und sogar eine schüchterne Romanze ist möglich. Wenn man das möchte, führt die sogar zu einem verschämten, gleichgeschlechtlichen Kuss.

Das Aloy auf Frauen steht, hätte man sich nach schon nach „Forbidden West“ denken können, führt aktuell aber bei kleinen, rechten INCELS zum Pflaumensturz. Die dummen Wichser unterstellen Sony „politische Indoktrination“ und „Aloy ruiniert zu haben“ um krampfhaft eine LGBT+-Agenda in jedem Spiel unterzubringen, mutmaßlich um das Volk schwul zu machen oder sowas. Die rechten Kulturspalter reviewbomben „Burning Shores“ gerade auf Metacritic ins Nirvana, und das hat der DLC nicht verdient.

Abseits dieses Unfugs sind die inhaltlichen Hürden zum Starten des DLC nicht ganz ohne. Man muss die Hauptstory von „Forbidden West“ komplett durchgespielt und den Speicherstand noch auf der Platte oder in der Cloud haben, und es braucht jetzt zwingend eine PS5. Es wird auch sehr schnell klar warum: Die „Burning Shores“ erreicht man nur fliegend, und die hyperdetailreiche Welt von Horizon ist eigentlich für begrenzte Sichtweiten und die langsame Bewegung zu Fuß gemacht. Aus der Luft ist das ganze so rechenintensiv, das selbst auf der Next-Gen-Konsole alle möglichen Objekte zu spät aufpoppen, XB1 oder PS4 hätten die Rechenlast nicht bewältigen können.

Spielt aber keine Rolle, die „Burning Shores“ sind eine gelungene Erweiterung von „Forbidden West“. Es macht Spaß, das versunkene LA zu erkunden, die Inszenierung ist toll, und auch wenn die Geschichte ohne bleibende Auswirkungen bleiben wird, ist sie unterhaltsam und lässt sich angenehm kurz (rund 16 Stunden) wegspielen.

Machen:

Neues Spielzeug:

Ding des Monats:

Archiv Momentaufnahmen ab 2008

Herr Silencer im März 2023

Wann ist dieser Winter ENDLICH vorbei?!

Wetter: Bis Mitte des Monats durchwachsen kalt und bedeckt, dann noch einmal Wintereinbruch: Schnee und Eis kehren für Tage zurück. Ein paar Mal scheint die Sonne, und dann hüpfen die Temperaturen auch in den zweistelligen Bereich, aber meist bleibt es grau und irgendwo zwischen Gefrierpunkt und 8 Grad. Auch die Natur bleibt im Tiefschlaf, der Frühling kommt lange nicht voran. Zwischendurch hüpfen die Temperaturen kurz hoch, am Monatsende gibt es aber wieder Schneeregen und Null Grad und alles alles ist bäh.

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Twin Peaks, Season 3 [2017, DVD]
„In 25 Jahren können sie mich wieder sprechen“, sagte Laura Palmer 1992 zu Agent Dale Cooper. Der kam nie mehr aus dem Roten Raum heraus. Wer stattdessen nach Twin Peaks zurückkehrte war Bob, der Killergeist, der in Coopers Körper steckte.

25 Jahre später geschehen in den ganzen USA grauenvolle Morde. FBI-Direktor David Lynch stochert in den Fällen herum und stellt fest: Die Spur führt zurück nach Twin Peaks.

Cooler Move, wirklich 25 Echtzeit-Jahre später eine DER Serien der 90er fortzusetzen. Twin Peaks war damals ein Fernsehereignis, das man so noch nicht gesehen hatte. Die Frage, wer Laura Palmer tötete, spielte am Ende fast keine Rolle mehr. Die Serie lebte von bizarren Charakteren, fantastischen Bildern, surrealen Szenen und der hypnotischen Musik. „Twin Peaks“ brach 1990 und 1992 alle Sehgewohnheiten und gilt als eine der einflussreichsten Serien aller Zeiten. Sowas lässt sich nicht wiederholen, deshalb bietet Twin Peaks in der 2017er Fassung nicht „more of the same“, sondern viel, viel Neues mit den bekannten Darstellern.

Dazu gehören grausame Verstümmelungen und blutige Morde genauso wie geradezu psychedelische Folgen, die quasi ab Minuten eins Kunst aus allen Poren strömen, aber sich konventionellen Sehgewohnheiten verschließen.

Ich habe mit solchem Artsy-Fartsy-Kram normalerweise nicht mehr viel Geduld und mache das aus, weil ich es nicht ertrage. Aber hier ist das Surreale so irre inszeniert und ergibt im Rahmen der Handlung so unbedingt Sinn, dass ich richtig viel Freude daran hatte und alle Folgen am Stück weggebinged habe (während ich nebenbei Persona spielte, dazu unten mehr). Selbst Folge 8, die ein für sich stehender Fiebertraum ist, hat mich in ihren Sog gezogen.

Lediglich das Ende der Serie ist beim ersten Schauen enttäuschend und vermittelt etwas wirr die Botschaft „Das Böse gewinnt immer, aber das Gute gibt niemals auf“. Das steht aber wiederum im Einklang mit dem Mantra „Das Gute stirbt oder wird getötet“ aus Staffel 1 und der Sekundärliteratur („Das geheime Tagebuch der Laura Palmer“).

Aber bis zu diesem seltsamen Ende kann man 17 1/2 Episoden Twin Peaks genießen, mit fast allen (gut gealterten!) Darstellern von damals, einem interessanten Plot und einer Fortsetzung, die sich einer eindeutigen Auslegung entzieht.

Triangle of Sadness [2022, Bluray]
Eine Hyper-Luxus-Yachtreise für Superreiche und Influencer: Man schwelgt in Dekadenz und Instagram-Kulissen, lässt sich die Wünsche von den Augen ablesen und lebt seine Kinks aus. Dann kommt es zu einem Unfall, die Yacht sinkt und die wenigen Überlebenden retten sich auf eine einsame Insel. Dort stellen sie fest, das Influencer-Skills nicht zum Überleben taugen, und die einzig fähige Person – eine Putzfrau – zettelt ein Herr der Fliegen-Szenario an.

Wenn man die Beschreibung so liest, kann das eigentlich nur ein geiler Film sein, oder? Gesellschaftskritik! Verlogene Influencerbande wird vorgeführt! Superreiche finden sich plötzlich ganz unten wieder! Eat the Rich!!

Tja, dachte ich auch, und habe die BluRay blind gekauft – und mich selten so darüber geärgert, dass ich Geld zum Fenster rausgeworfen habe! Seine tollen Ideen verkackt Regisseur Ruben Östland hier auf jedem Meter. Der Film ist mit seiner Laufzeit von 150 Minuten mindestens eine Stunde zu lang und von vorne bis hinten angefüllt mit langweiligem Quark.

Eeeeeeewig lang darf man sich erst unzusammenhängende Szenen aus dem Alltag von Models angucken, die eine schlechte Zoolander-Parodie sein könnten. Dann guckt man stundenlang einem völlig belanglosen Influencer-Pärchen dabei zu, wie es sich gegenseitig anödet, bevor es endlich auf die Yacht geht.

Auf der springen erstaunlicherweise Iris Berben und Sunnyi Melles herum, haben da aber auch nicht wirklich was zu tun. Und wenn das Boot der Reichen endlich, nach drei Vierteln der Laufzeit, untergeht, beginnt mitnichten ein „Eat the Rich“-Szenario, sondern nun dümpelt der Film halt an einem Strand statt auf einer Yacht herum. Statt bitterböse und pointiert geht es hier belanglos und verschwurbelt zu, nichts ist relevant, keine Figur hat einen Charakter.

Das tut beim Ansehen umso mehr weh, weil das Ding wirklich Potential gehabt hätte. Aber das wird links und rechts eimerweise liegengelassen, und das angeklebte, offene Ende ist erkennbar nur drangestückelt worden, damit der Streifen sich als „Kunst“ rausreden und um eine Aussage drücken kann.

Das muss der Regisseur vielleicht noch lernen: Gute Kunst hat eine Aussage und eine Haltung und ergeht sich nicht in Beliebigkeit. „Triangle“ ist weder lustig noch bissig oder kritisch oder gar dramatisch – er ist belanglose Zeitverschwendung.

The Woman King [2022, Amazon Video]
Westafrika, 1823: Die Elitegruppe der Agojie verteidigt das Königreich Dahome. Das Besondere: Alle Mitglieder sind weiblich. Ihre Anführerin will den Sklavenhändlern Einhalt gebieten, die ganze Dörfer überfallen und die Einwohner verschleppen. Sie träumt davon, dass es eines Tages eine weibliche Königin in Dahome geben wird – eine Woman King.

Vergesst „Black Panther“! „The Woman King“ frisst den Marvel-Flick zum Frühstück. Die „Dora Milaje“-Kriegerinnen aus dem fiktiven Wakanda? Deren Vorlage waren die Agojie, die es wirklich gab.

„Woman King“ haut in der Tat richtig rein, sowohl emotional als auch was die Action angeht.

Das liegt vor allem an dem unglaublichen Cast: Viola Davis (Amanda Waller aus „Suicide Squad“) als Generalin beherrscht jede Szene, in der sie auftritt, und strahlt gleichzeitig Kraft wie Einsamkeit aus. Ihr zur Seite stehen starke Frauen wie Lashana Lynch (007 aus „No time to Die“), Adrienne Warren („Tina Turner“) oder Sheila Atim, die beeindruckend spielt. Das liegt aber auch daran, wie die Szenen gefilmt sind, insbesondere während der Kämpfe. Hier gibt es kein CGI-verseuchtes Kameragewackel mit 12 Schnitten in drei Sekunden, hier hält die Kamera drauf und zeigt beeindruckende Kampfchoreografien, in denen erkennbar viel Arbeit steckt und die häufig erstaunlich blutig und grausam sind.

Die Geschichte selbst hat leider einige Stellen, an der sie sehr rührselig wird – wenn die toughe Generalin etwa davon träumt, das ihr Volk zukünftig ausschließlich von der Herstellung von Palmöl lebt und von der Idee binnen zwei Sekunden den amtierenden König überzeugt, oder wenn sie in einer Auszubildenden ihre Tochter zu erkennen glaubt. So einen Rosamunde-Pilcher-Quark hat der Film eigentlich nicht nötig, und Szenen wie diese brechen die Suspension of Disbelief.

Das ist besonders schade, weil es die dringend braucht, denn so romantisch die Story um die schwarzen Kriegerinnen auch sein mag: Sie ist nicht vollständig wahr. Zwar gab es wirklich ein Frauenregiment in Dahome, dem heutigen Benin, aber die Geschichte des Films ist frei erfunden. Das spielt aber keine Rolle, denn „Woman King“ funktioniert als Action-Film und Historien-Drama, fesselt in nahezu jeder Szene und ist ein wirklich beeindruckender Film.

Spielen:

Ori and the Blind Forest [2015, Switch]
Ori ist ein kleiner Baumgeist, der kurz nach seiner Geburt in einem Sturm verschütt geht. Ohne ihn stirbt der Wald, und er muss irgendwie wieder nach Hause zu seinem Mutterbaum.

Hüpfspiel. Wunderschöne Grafik, knuffig inszeniert, tolle Musik. Leider ist es aber SO SCHEISSEND SCHWER, dass ich nicht über die zweite Map hinausgekommen bin.

Der kleine Waldgeist hält nämlich zu Beginn nichts aus und stirbt sogar nach der Berührung einer Heckenrose. Dazu kommt: Ori steuert wie ein besoffener Seemann. Dank Sprungkurven und Beschleunigungsverhalten waren die superkniffligen Sprungpassagen, mit denen das Spiel ab Minute eins aufwartet, so frustrierend, dass ich es nach dem 124. Versuch eine bestimmte Stelle zu überwinden wutentbrannt gelöscht habe. Ein superputziges Spiel, was mich zu Wutausbrüchen gebracht hat.

Persona 3 Portable [2006, 2023, Switch]
Jede Nacht, Punkt Mitternacht, beginnt die dunkle Stunde. Die verbirgt sich in der Lücke zwischen zwei Sekunden, zwischen 00:00:00 und 00:00:01. Die wenigsten Menschen nehmen sie wahr, aber einige Auserwählte erleben die dunkle Stunde bei vollem Bewusstsein. Was sie dort sehen, ist ein Albtraum: Schattenwesen wandeln auf der Erde und rauben Menschen die Seele. Zentrum dieses Schattenreichs ist ein bizarrer Turm, der hunderte Stockwerke in den Nachthimmel wächst. Eine Gruppe Schüler:innen macht sich auf, den Turm zu erklimmen und vielleicht die Schatten zu besiegen. Sie finden: Den Tod.

Alter Schwede, das ist ja FINSTER. Ich bin über „Persona 5“ von 2016 zu der Reihe gekommen, das war stylisch und deep. Dann habe ich „Persona 4“ auf der PS Vita nachgeholt, das wirkte fröhlich und poppig, hatte aber als Kern eine Gruselgeschichte mit Serienmörder-Setting. Das ist aber alles nichts gegen den finsteren Shit von Persona 3!

Das beginnt damit, das die Jugendlichen, um ihre „Persona“ genannten Kampfkräfte zu aktivieren, symbolisch Suizid begehen müssen, indem sie sich eine Pistole an den Kopf halten und abdrücken.

Das geht weiter über die Darstellung der „dunklen Stunde“, während der alle normalen Menschen zu Särgen werden und endet mit der Feststellung, dass uns allen der Tod innewohnt, und der unausweichlich ist.

Der Tod selbst tritt sogar auf und stellt uns vor eine Wahl: Nach zwei Dritteln der Spielzeit bietet er an, sich zu ergeben. Das Spiel meint es damit sogar ernst, wer die Option wählt, springt sofort und kampflos zum Abspann – erlebt aber so natürlich nicht das „wahre“ Ende. Das eröffnet sich erst nach zähen 80 bis 90 Stunden, und das New game Plus-Intro ist gleich nochmal finsterer. Jede düstere Teenagerfantasie wird hier bildhaft umgesetzt. „Memento Mori“, sei Dir deiner Sterblichkeit bewusst.

Sich um die komplette Spielzeit zu bringen wäre schade, denn der serientypische Mix aus Schulalltag, Freizeitaktivitäten und rundenbasierten Kämpfen funktioniert hier schon fast genauso gut wie in den späteren Spielen. Die Betonung liegt aber auf fast, denn in P3 sind die Charaktere noch schlecht ausgearbeitet, die Social Links öde, und das Pacing und Balancing hat man in späteren Serienteilen viel besser hinbekommen.

So habe ich nervig viel Zeit damit verbracht, im dunklen Turm Erfahrungspunkte zu grinden und immer den gleichen Monstern auf´s Dach zu hauen. Viel Abwechselung gibt es da nach hinten raus nicht, die 264(!) Stockwerke des Turms sind zufallsgeneriert und die Monster in jedem Abschnitt immer die gleichen.

Der Grind ist aber nötig, weil man sonst gegen die alle zehn Stockwerke auftauchenden Zwischenbosse oder die alle 30 Tage auftauchenden Storybosse keine Chance hat. Unschön und kompliziert auch das Verschmelzungssystem, bei dem man aus gefangenen Monstern neue erschafft, die dann für einen kämpfen. Das ist in P3P überkomplex und funktioniert schlecht, weil eigentlich optional scheinende Quests nötig sind, um die stärksten Viecher zu bauen – so habe ich Stunden damit verbracht einen starken Charakter zu schmieden, nur um kurz vor Ende zu merken, dass ich am Anfang des Spiels einen Besen oder so hätte finden müssen. Das ist Quatsch und frustrierend.

Nicht berauschend ist auch die Präsentation. Auf der Switch gibt es lediglich Persona 3 Portable, das seine Herkunft vom Nintendo DS nicht verhehlen kann. Diese Version des Spiels ist zwar balancierter und fairer als die UR-Version auf der PS2 und bietet zwei wählbare Protagonisten, es gibt weder 3D-Oberwelten noch Zwischensequenzen, und die Geschichte und Dialoge werdem nur über immer gleiche Standbilder erzählt. Ist aber Wurst, wer Bewegtbild möchte, guckt sich einfach „Persona 3 – The Anime“ auf Netflix an, da gibt es die ganze Story in drei 90-Minuten-Filmen. Die sind übrigens auch düsterer Shit, mehr Emo und Goth geht kaum.

Ich hatte in den vergangenen Monaten auf jeden Fall viel und seeeeehr lange Spaß (93 Stunden) an Persona 3, das sich auf der Switch auch schön zwischendurch spielen lässt. Notiz an mich selbst: Das optimale Team sind MC als Damagedealer, Akihiko und Aigis als Support für Buffs/Debuffs und Yukari als Heilerin. Für Endgegner sollte man ein Level um die 82 haben.

Machen:
– TÜV für die Moppeds.
– Sache mit Vaddern regeln
– Probefahrt mit einem anderen Auto. Resultat: Das kleine Gelbe quittiert spontan den Dienst.

Neues Spielzeug:
– Pflanzen! Echter Jasmin, ein Erdbeerbaum, Honigbeeren, Feigen, Kiwi, japanische Maulbeere und eine Passionsblume.

Ding des Monats:

Archiv Momentaufnahmen ab 2008

Herr Silencer im Dezember 2022

Worte des Monats:

Wetter: Ab Monatsanfang sofort bitterkalt und 15 Zentimeter Schnee. Bis Monatsmitte wird es immer kälter, eine Woche lang Tiefsttemperaturen von nachts -13 und tagsüber -5 Grad. Kurz vor Weihnachten beginnt es zu regnen. Erst gibt es Eisregen auf dem tiefgefrorenen Boden, dann steigen die Temperaturen wieder, an Weihnachten sind es 8 bis 15 Grad mit häufigen und starken Regenfällen, die bis Jahresende anhalten.

Lesen:

Reiseführer.

Hören:

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Sehen:

Die Känguru Verschwörung [2022, Amazon Video Kauf]
Marc-Uwe und sein Mitbewohner, das mild-kommunistische Känguru, begeben sich auf einen Road-Trip nach Bielefeld. Grund: Die Mutter der angebeteten Maria hat sich in Verschwörungstheorien verstrickt und leugnet den Klimawandel, und die beiden haben gewettet, dass sie die Mudder wieder in die Realität bekommen.

Der erste „Känguru“-Film war der letzte Film, den ich im Kino sah. Das war am am 06.03.2019, in Frankfurt an der Oder. Während der Pandemie wurde wohl der zweite Film gedreht, und der ist um Klassen besser als der Erstling. Statt einem Best-of-Remix bekannter Gags aus den Büchern gibt es hier eine eigenständige und aktuelle Geschichte.

Reichsbürger, Flat-Earther, Klimaleugner, Impfgegner – der Umgang damit im Film ist herrlich, endlich bekommt die usselige und rechte Baggage mal ihr Fett weg. Dabei funktionieren manche Dinge in der Tiefe tatsächlich nur jetzt. Wenn Marc-Uwe in Ulf-Poschhard-Tonfall „Bidde nich!“ sagt, kann man diesen popkulturellen Gag aktuell entschlüsseln und darüber kichern – in kurzer Zeit wird aber niemand mehr wissen, dass das mal witzig war und warum. Seltsam zahm bleibt ausgerechnet das Känguru selbst, das mit deutlich angezogener Philosphie/Brutalitäts-Handbremse fährt.

Handwerklich ist die Kameraführung meist bieder, das animierte Känguru und die Schauspieler OK. Nerven tut lediglich Marc-Uwe Kling selbst, als Stimme des Kängurus. Ich LIEBE die Stimme in den Hörbüchern, aber hier im Film ist sie zu übertrieben gesprochen und/oder so seltsam gemischt, dass ich davon Ohrenschmerzen bekomme.

Ist aber Wurst, die „Känguru-Verschwörung“ ist ein sehr launiger Film, der an keiner Stelle in flachen oder Pipi-Kacka-Humor abgleitet. Besonders viel Freude werden diejenigen haben, die schon immer mal diese ganzen Verschwörungs-Heinis als die Deppen dargestellt sehen wollten, die sie sind. Empfehlenswert.

Ach ja, das Retro-8Bit-Spiel, das im Film kurz vorkommt, das gibt es wirklich: https://www.kaenguru-game.de/

Blade Trilogy [1998, 2002, 2004 Bluray ]
Wesley Snipes ist der „Daywalker“, ein Mensch/Vampir Hybrid, der zusammen mit Kris Kristofferson Jagd auf echte Vampire macht. Mal bekommt er es mit durchgenknallten Yuppi-Vampiren zu tun, mal mit Mutationen, mal mit Udo Kier, mal mit Dracula persönlich.

Die drei Filme, die um die Jahrtausendwende entstanden sind, erzählen eine lose zusammenhängende Geschichte, sind aber qualitativ stark unterschiedlich. Teil 1 kommt stylisch und überraschend, aber mit grottenschlechtem CGI daher. In Teil 3 ist das CGI besser, aber die Story Banane und die neuen Darsteller (Ryan Reynolds, Jessica Biel, Dominic Purcell) völlig fehl am Platz. Die Spannbreite reicht von Randgruppenperle bis zu Trash.

The Rock [1996, BluRay]
Ein General der US-Armee klaut Raketen mit VX-Gas, stellt die auf der Gefängnisinsel Alcatraz auf und erpresst die Regierung: Entweder, die Familien von im Ausland bei Geheimoperationen gefallenen Soldaten werden über den Verbleib informiert und finanziell entschädigt, oder San Francisco wird mit tödlichem Nervengas beschossen. Auf Verhandlung hat niemand Bock, und so schickt die Regierung den Giftgasexperten Nicolas Cage und den einzigen Mann, der jemals aus Alcatraz ausgebrochen ist und daher den Weg hinein finden kann: Ex-SAS-Agent Sean Connery.

„The Rock“ ist einer der besten Actionfilme aller Zeiten, Punkt. Wenn man mich fragt, welche Actionfilme in den 90ern die besten waren, werde ich immer sagen: „The Crow“, „Armageddon“ und eben „The Rock“. Egal ob die spannenden Expositionsszenen am Anfang, die „Bullit“-mäßige Verfolgungsjagd in San Francisco oder der fesselnde Einsatz auf Alcatraz selbst, der Film ist wirklich keine Minute langweilig. Dabei ist es nicht allein die Action, die trägt.

Einen Großteil der Wirkung wird über das ausgezeichnete Zusammenspiel der Darsteller erzielt. Nicolas Cages Overacting ist ein wunderbarer Kontrast zu Connerys verschmitzt-reduziertem Spiel, mit dem er hier den James-Bond-in-Rente gibt. Ed Harris ist ein großartiger Bösewicht, gerade weil er eigentlich hehre Motive hat, und gibt diese Figur mit großem Fokus und kalter Beherrschung, was ein krasser Gegensatz zu dem Haufen an Hotshots um ihn herum ist. Die Nebenrollen sind ebenfalls großartig besetzt: „Dr. Cox“ John C. McGinley, „Terminator“ Michael Biehn, „Candyman“ Tony Todd, „Green Mile“ David Morse, dazu die göttliche Claire Forlani. Hach.

Technisch ist hier wenig Kritik möglich. Michael Bays Stil der dramatischen Inszenierung und der sich ständig bewegenden Parallax-Kamera hatte sich noch nicht so abgenutzt und wird nicht so rührselig eingesetzt wie in späteren Filmen. Der Soundtrack von Hans Zimmer ist mit seinem Main Theme in die Geschichte eingegangen und wird bis heute für Trailer genutzt. Das Bild und der Ton ist auf BlueRay wirklich exzellent. Ja, „The Rock“ ist wirklich Peak-90er-Action, so wie ich sie mag – und der wahrscheinlich beste Film, den die Produzenten-Legenden Bruckheimer/Simpson und Regisseur Bay je gemacht haben.

Spielen:

God of War: Ragnarök [2022, PS5]
Kratos, der Schlächter aller Götter des Olymp, hat sich zur Ruhe gesetzt – ausgerechnet in Midgard, einer der Welten der nordischen Götter. Dort gerät er mit dem Schicksal aneinander, das detailliert voraussagt, das Kratos Ragnarök auslösen wird. Der alte Mann mit dem Rauschebart hat auf das Ende der Welt aber gar keine Lust, Kriegsgott will er auch nicht mehr sein, und überhaupt will er am liebsten in einer Höhle sitzen und Grummeln. Auch Allvater Odin möchte keinen Konflikt und keinen Weltuntergang. Aber es herrscht bereits Fimbulwinter, der Vorbote von Ragnarök, und je mehr Kratos es versucht zu vermeiden, desto unausweichlicher wird eine Konfrontation mit Odin, Thor, Heimdall und Konsorten. Helfen könnte vielleicht Tyr, der alte nordische Gott des Krieges, aber der ist tot. Und dann hält sich auch noch Kratos pubertierender Sohn Atreus für etwas Besonderes, denn sein nordischer Name ist – Loki.

Ach, fein! Die 2018 im Vorgänger begonnene Geschichte von Kratos-und-seinem-Sohn-im-Norden wird in diesem Spiel komplett zu Ende erzählt, und das, obwohl sich der Stoff von der Menge her für eine Trilogie angeboten hätte. So ist man 35 bis 40 Stunden unterwegs, bis die Story zu einem befriedigendem Ende kommt.

Gameplaytechnisch wechseln sich ruhige Erkundungspassagen, Dialoge mit anderen Figuren und wuchtige Hack-and-Slay Kämpfe ab. Die Kämpfe kommen mit einem ordentlichen Schwierigkeitsgrad daher. Im Vergleich zum Vorgänger teilt Kratos weniger aus, kann aber auch weniger einstecken. Heil-Items sind seltener, und die Zahl der Encounter mit 08/15 Gegnern sind so hoch, dass es immer wieder die Erzählung stört.

Die Grafik auf der PS5 ist schön, aber nicht deutlich besser als beim Vorgänger auf der PS4. Am Vorgängerspiel mochte ich das Perk-System nicht. Es gab viel zu viele Möglichkeiten abseits der Skill-Trees Waffen und Rüstungen zu verzaubern, Runen einzusetzen oder sonstwas damit anzustellen und dadurch irgendeinen Wert um 0,0034 Prozent zu steigern.

Das ist in „Ragnarök“ noch viel schlimmer geworden, die Systeme sind nun um das doppelte überladen. Wer Spaß daran hat, unter Zuhilfenahme von Excel auszurechnen, welche Rune in Kombination mit welcher Rüstung basierend auf den Glücks-Werten des Charakterlevels die Abklingzeit der Axt-Zauber um 1,3 Sekunden senken lässt – nur zu. Ich habe da keinen Spaß dran und fand es stets zum Kotzen, wenn das Spiel mich zwang, mich damit zu beschäftigen.

Das ist aber nicht so wichtig. Der Kern und das Beeindruckendste von „Ragnarök“ ist die Interaktion der Charaktere miteinander und ihre verwobenen Geschichten. Die Dialoge sind toll geschrieben, und die die Story steckt voller Wendungen. Die passieren aber nicht aus Selbstzweck, sondern sind immer den klaren Motivationen der Figuren zuzuordnen.

Die Charaktere selbst sind hervorragend ausgearbeitet. Egal ob der knurrige Kratos, der das Loslassen lernen muss, der Götterchef Odin, der manchmal wirkt wie ein leicht tüddeliger Konzernmanager und wirklich undurchschaubar ist, oder Schmierlappen Heimdall, den man wirklich hassen lernt: Das zu erleben ist spannend, und ich wollte immer wissen, wie es weitergeht.

Star des Spiels ist aber die Stimme von Kratos. Christopher Judge, der Teal´c aus „Star Gate“ spricht den alten Kriegsgott mit einem unnachahmlich rauen Grummeln, und jeder Satz von ihm ist ein Erdbeben. Was für eine Performance!

Kena – Bridge of Spirits [2021, PS5]
Die junge Kena ist eine Geisterführerin. Sie hilft verstorbenen Seelen dabei, vom Diesseits loszulassen. Als sie in einer abgelegenen Region ein entvölkertes Bergdorf findet, bekommt sie eine Menge zu tun. Zum Glück hat sie Verstärkung in Form der Rott, knuffeligen kleinen Geistwesen. In drei unzusammenhängenden Episoden muss Kena Geister ins Jenseits geleiten und am Ende das Rätsel um das Dorf und die Rott lösen. Das tut sie in der klassischen Action-Adventure-Mischung aus Erkundung, dem Lösen von Rätseln und Geschicklichkeitspassagen.

So knuffelig, und gleichzeitig SO SCHEISSEND SCHWER. Ember Labs, das Studio, dessen Erstlingswerk „Kena“ ist, kommt aus der Filmanimation, und das ist deutlich zu merken. Alles ist detailverliebt und sieht aus wie ein Animationsfilm. Was leider nicht gut klappt ist das Gameplay. Kena springt und klettert teils sehr ungenau oder hält sich nicht an Kanten fest, was insbesondere in den (viel zu zahlreichen) Hüpfpassagen mit knackigem Zeitlimit fatal ist.

Nicht viel besser ist es in den Hack&Slay-Kämpfen. Die sind ohnehin superschwer und werden noch schwerer durch die Steuerung, die einfach für das geforderte zu träge ist – Ausweichen oder Blocken erfolgt häufig mit spürbarer Verzögerung, und das bei sehr kleinen Zeitfenstern für erfolgreiches Parieren. Ich habe nach der Hälfte der gut zehn Stunden Spielzeit entnervt den Schwierigkeitsgrad auf die einfachste von fünf Stufen gestellt und hatte immer noch genug zu tun.

Die teils traurigen Geschichten und die putzigen Rott haben mich aber dennoch dazu gebracht, die Zähne zusammen zu beißen und das durch zu spielen. Ich hoffe, es gibt einen Nachfolger, der die Macken beim Gameplay und Balancing ausbügelt und der Figur der Kena etwas Tiefe gibt. Die Welt ist auf jeden Fall zauberhaft.

Machen: Nüscht. Auch mal schön.

Neues Spielzeug:

Eine Xbox. Aber keine aktuelle XBOX Series X (die heißt wirklich so, kein Witz), sondern eine XBOX 360, Modell E, Baujahr 2015, gebraucht gekauft. Eine der letzten 360er, die je gebaut wurden.

Warum lege ich mir so ein Uralt-ding zu? Ganz einfach: Ich habe für die 360 eine umfangreiche Spielesammlung, und einige meiner liebsten Games („The Saboteur“, „Sleeping Dogs“) gibt es nicht auf anderen Plattformen und auch nicht im Backwarts-Compatibiility-Programm von MicroSoft. Vor allem aber: Musikspiele! Sowas wie „Guitar Hero“, „Lips“ und „Rock Band“. Diese Spiele waren von 2008 bis 2011 aktuell (Wir nannten es Plastik Rock) und brachten eigene Hardware mit (dieses Blog wurde sogar berühmt wegen der Kompatibilitätslisten), in meinem Fall brauche ich aber zwingend eine 360 zum Spielen.

Nun fiel aber meine alte Xbox 360 von 2009 langsam auseinander, der HDMI-Ausgang ist wackelig, Audio gab es gar nicht in digital und WLAN hatte die auch noch nicht. Das bringt das E-Modell alles mit, inkl. einer 500 GB Festplatte, auf der die ganzen Musikspiele auf einmal Platz haben.

Ding des Monats:
Viele schöne und nützliche Dinge zu Weihnachten geschenkt bekommen. Danke an Alle Schenker:innen!

Archiv Momentaufnahmen ab 2008

Herr Silencer im November 2022

Worte des Monats: „London wurde vom Geld verwüstet“ – Annette Dittert

Wetter: Anfang des Monats nachts wie Tags bei 8 Grad, trocken, heiter bis wolkig. Mitte des Monats Kälteeinbruch mit 15 Zentimeter Schnee und Temperaturen zwischen -8 und -3 Grad. Das Monatsende dümpelt bei feucht-klammen 3 bis 7 Grad. Regen gibt es selten, aber wenn, dann heftig.

Lesen:

Jasper Fforde: One of our Thursdays is missing
Die fiktionale Thursday Next hat es zwar nicht zur Jurisfiction, der Ordnungsbehörde der Buchwelt, geschafft, aber immerhin spielt sie nun die Hauptrolle in den Thursday-Next-Bücher. Doch dann geschehen seltsame Dinge, Bücher lösen sich auf und die Romanfigur beschleicht ein übler Verdacht – ist ihrer Vorlage in der realen Welt etwas Schlimmes passiert?

Band fünf der vierbändigen Trilogie um Thursday Next. Dieses Mal mit starkem Fokus auf die Buchwelt, und insbesondere deren technischen Aspekte. Leider überspannt Fforde den Bogen etwas. Was in den Vorgängerbänden immer wieder für Staunen und Schmunzeln sorgte, steht hier im ersten Drittel des Buches so im Fokus und wird in dermaßen kleine Details seziert, dass es nicht mehr nett zu lesen ist. Dafür schleppt sich der Plot qäualend langsam dahin. Liest sich wie eine Auftragsarbeit oder ein Money Grab.

Hören:

–

Sehen:

Wednesday [Netflix]
Wednesday Addams ist Teil einer makabren Familie. Als die Teenagerin Piranhas im Becken der Schwimmmannnschaft aussetzt, fliegt sie von ihrer Highschool. Ihre Eltern melden sie daraufhin in „Nevermore“ an, einer speziellen Schule für Werwölfe, Vampire und Sirenen. Plötzlich ist Wednesday, die ewige Außenseiterin, die Normalste – eine Rolle, mit der sie nicht ganz klarkommt. Dann sterben Mitschüler.

Ich konnte mit der „Addams Family“ nie viel anfangen. Vom verrückten Onkel Fester bis zum eiskalten Händchen war das immer bestenfalls lauwarmer Grusel mit flachem Humor. Wirkte alles aus der Zeit gefallen, und das ist kein Wunder: Die „Addams Family“ entstand 1938 als Comic und hatte seine Hoch-Zeit in den 50ern und 60ern mit einer piefigen TV-Serie. Die beiden Kinofilme von Anfang der 90er waren auch nur leidlich unterhaltsam, und „Wednesday“ habe ich eigentlich nur eingeschaltet, damit ich was habe, zu dem ich einschlafen kann.

Dazu kam es dann nicht, denn „Wednesday“ ist etwas ziemlich besonderes. Tim Burton, der auch Regie führt, fährt hier eine spannende Who-Dunnit-Geschichte mit Monstereinschlag auf, vermixt mir Coming-of-Age Story in einem Bizarro-Hogwarts, in dem schon mal „Paint it Black“ von den Stones vom Dach eines Schulgebäudes und auf einem Cello intoniert wird:

Und dann diese Besetzung! Catherine Zeta-Jones als Morticia Addams, Gwendoline Christie als Schulleiterin und die 90er-Jahre-Wednesday Christina Ricci sind einzeln schon eine Schau, aber zusammen ein fantastisches Ensemble. Allein schon wenn die 1,52m große Ricci neben der 1,91m-Frau Christie steht, ist das faszinierend. Den Vogel schießt Jenna Ortega als Wednesday ab. Ihr nimmt man den Teen, der erfahren im Umgang mit Skalpellen und Leichen, aber unerfahren in Sachen zwischenmenschlicher Kommunikation ist, in jeder Szene ab. Ganz großes Guckvergnügen, das in keiner Sekunde altbacken oder bieder ist.

Top Gun: Maverick [2022, Bluray]
Die US Navy steht vor einem absurden Bedrohungszenario, das sich nur lösen lässt, wenn ein uralter Jet von einem durchgeknallten Scientologen geflogen wird. Ein Job für Tom Cruise und seine alte F-18!

Braucht es 37 Jahre nach dem ersten „Top Gun“ eine Fortsetzung? Natürlich nicht, und ich hielt die Idee für bescheuert. „Top Gun“ war ein Kind seiner Zeit, mit Flieger-Porn, Machismo und 80er-Jahre-Drama. Ich habe den Film damals geliebt und x-Mal gesehen, aber hey, ich war erst 10 Jahre alt und habe die Kriegsverherrlichenden Aspekte schlicht nicht geblickt.

Nun also „Maverick“, der von Kritikern wie Fans als „perfektes Sequel“ bejubelt wird. Tatsächlich zupft der Film heftig an den Nostalgienerven. Musik, Bilder, Farben, Storybeats – vieles ist praktisch so eins zu eins vom Vorgänger übernommen, dass man wohlig seufzt und gleichzeitig denkt: „Wie dreist kann man bei sich selbst klauen?“

Darauf ruht man sich aber nicht aus. Neu hinzu gekommen sind Figuren wie Jennifer Connellys Barkeeperin, die arg konstruierte Mission, die letztlich dem Kampf um den Todesstern nachempfunden wurde, und echte Flugszenen. Gerade die Flugszenen kommen wuchtig rüber, und ich kann schon verstehen, dass es einen in den Sitz drückt. „Maverick“ funktioniert über die bewährte Mischung aus Rogue-Action, Fliegerporn und spannende Inszenierung. Das ist auch wirklich gut gelungen und überdeckt für die Länge des Filmes, wie absurd die Geschichte ist. Oder anders: Top Gun 2 ist ein Beispiel dafür, wie unterhaltsam ein guter Plot sein kann, selbst wenn die Story banal bis nahezu nicht vorhanden ist.

Neues Spielzeug:

Eine Nintendo Switch, das neue OLED-Modell in schickem Weiß.

Seltsames Ding. Die Ergonomie ist eine Frechheit, als Handheld ist sie zu groß und arg schwer, die Joycons um der Symetrie willen so gestaltet, das der Bedienkomfort meilenweit von der eines Dualsense oder XBOX-Controller entfernt ist. Das Display ist trotz OLED nicht besonders gut, das kann jedes höherpreisige Handy besser.

Als stationäre Konsole ist sie arg spartanisch. Die Rechenleistung ist läppisch, die maximale Ausgabe ist 1080P, die meisten Games sehen aus wie auf der Playstation 3 von 2006. Apps gibt es so gut wie keine, nicht mal Streamingsender kann die Switch. Vor allem aber: Was ist mit den Buttons los?

Egal ob XBOX oder Playstation, das Buttonlayout ist bei diesen Konsolen immer Y-B-A-X – warum zum Geier macht Nintendo daraus X-A-B-Y? Diese Belegung ist genau umgekehrt, statt Dinge zu bestätigen, breche ich auf der Switch ständig Vorgänge ab. Warum, Nintendo, warum???

Ich bin allerdings nicht Zielgruppe der Switch. Ich spiele unterwegs nicht, und die ganzen Mario-, Yoshi und andere Süßkramspielchen sind nichts für mich. Warum ich sie dennoch gekauft habe? Mangelnde Impulskontrolle: Beim Neffen in der Hand gehalten und haben gewollt, nachdem ich schon einige Zeit mit einer gebrauchten Switch geliebäugelt habe, denn immerhin ist sie das einzige System, auf dem es „Ringfit“ und „Bayonetta“ gibt.

Mal gucken, ob ich abseits davon noch weitere Games finde, die ich darauf spielen möchte. Falls nicht, wird die wieder verkauft und ich kehre ich zur Playstation Vita zurück: Die ist zwar schon 10 Jahre alt, hat aber ein feines Portfolio, übertrumpft in Sachen OLED-Brillanz locker die Switch und hat auch ansonsten technisch wesentlich mehr auf dem Kasten (AR, zwei Kameras, Rückseitiges Touchpad, ordentliche Sticks, ergonomisches D-Pad!) als das Nintendo-Handheld.

Spielen:

Ring Fit Adventures [Switch]
Spieler findet in einem Wald einen magischen Ring, aus dem versehentlich ein böser Drache entweicht. Der ist Bodybuilder und terrorisiert fortan ganze Landstriche. Um dem ein Ende zu bereiten, muss der Spieler zusammen mit dem Ring die Schergen des Drachen besiegen – mittels Sportübungen.

Ich hätte es ja nicht gedacht, aber ich vertraue Kradblatt-Marcus. Der schwört auf „Ring Fit Adventures“, und das zu recht: Es ist großer Spaß. Man schnallt sich einen der beiden Controller der Switch ans Bein, der andere kommt in einen stabilen Kunststoffring, der dem Game beiliegt. Und dann heißt es: Bewegung!

Schon um die Spielfigur auf dem Bildschirm durch die Landschaft zu bewegen, muss man als Spieler auf der Stelle joggen. Begegnet man Monsterchen des bösen Drachen, gilt es die mittels Armpressen, Situps oder Yogaübungen zu besiegen. Das ist ebenso witzig wie motivierend – und durchaus anstrengend.

„Ringfit“ ist nun nichts, was echtes Training ersetzen kann – aber es ist eine nette Ergänzung und für Schreibtischtäter für mich die Motivation, sich wenigstens mal 15 Minuten am Tag zu bewegen – so lange dauert in etwa ein Level. Ich langweile mich ja beim Sport superschnell, deshalb ist die Gamification hier genau das richtige für mich. Das Game ist wirklich, wirklich gut gemacht, lediglich die vielen Einblendungen mit Gesundheitstips nerven. Trotzdem: Danke an Marcus für den Tip!

Bayonetta 2 [Switch]
Bayonetta ist eine Umbra-Hexe, steht mit Dämonen im Bunde und gehört damit einer Fraktion an, die gebraucht wird, um das Universum im Gleichgewicht zu halten. Das ist mal wieder in Gefahr, weshalb sie erst Reihenweise Engel verhauen, dann in die Hölle hinabsteigen muss muss.

Der erste „Bayonetta“-Teil erschien 2009 auf der XBOX 360. Dort fand er eine treue Fangemeinde und heimste begeisterte Kritiken in der Presse ein, ein großer kommerzieller Erfolg war das Prügelspiel aber nicht und wurde folgerichtig nicht fortgesetzt.

Bis 2014 Nintendo ein Exclusive für Erwachsene für die WiiU wollte und das Studio Platinum Games so lange mit Geld bewarf, bis die einen zweiten Teil entwickelten.

Eine Gewaltorgie rund um eine hypersexualisierte Figur, die sogar nackt wird, sobald sie einen Zauber wirkt, ausgerechnet auf der Familien-Knuddel-Konsole? Das ging wieder wirtschaftlich komplett schief, denn Bayonetta hat CoreGamer als Zielgruppe, und die wurden von der WiiU genau nicht abgeholt.

Abseits des verfehlten „Kenne Deine Zielgruppe“ der Nintendo-Manager ist B2 auch als Spiel leider eine Enttäuschung und in allen Bereichen schlechter als der Vorgänger. Das Kampfystem ist überladen, die Kämpfe hektisch und so unübersichtlich, dass man die Hälfte der Zeit vor lauter Wuselei und Spezialattacken einfach nicht sieht, was auf dem Bildschirm passiert. Es gibt auch keinerlei Hinführung an das Kampfsystem, was bei ungeübten Leuten wie mir schnell zu hektischem Button-Mashing führt, was nichts bringt und zusammen mit dem hohen Schwierigkeitsgrad schnell in Frust mündet.

Vermutlich kann man mit sehr, sehr, sehr viel Übung das Ganze irgendwann so beherrschen, dass man die Kämpfe nicht nur überlebt, sondern auch Spaß dran hat – aber ich habe da keine Zeit oder Muße für. Immerhin gibt es einen Anfängermodus. Der ist dann aber gleich so einfach, das er überhaupt keinen Spaß macht.

Storytechnisch ist hier teilweise etwas mehr Stringenz als in Teil 1 drin, dafür nerven ausnahmslos alle Nebencharaktere. Immerhin: Die Downloadversion von B2 für die Switch hat den ersten Teil von Bayonetta kostenlos mit an Bord – und der lohnt sich.

Mafia Definitive Edition [2019, PS4]
New york in den 1930er Jahren: Tommi di Angelo ist einfacher Taxifahrer. Eines Nachts springen zwei Gangster in seinen Wagen, die auf der Flucht vor einer verfeindeten Gang sind. Di Angelo gerät zwischen die Fronten und schließt sich einer Gang um den „Restaurantbesitzer“ Don Salieri an. Fortan gehören Autodiebstahl, Schutzgelderpressung und schließlich sogar Auftragsmorde zu Tommis Job – bis er beim Don selbst in Ungnade fällt.

„Mafia“ ist die Art von Open-World, die ich liebe. Es gibt eine komplette Stadt, aber die ist nicht vollgestopft mit Nebenaufgaben und Gedöns, in das man 100 Stunden Lebenszeit investieren muss. Nein, hier ist die offene Welt lediglich eine Kulisse, in der ganz stringent von einem Storykapital zum nächsten gesprungen wird. Die Geschichte steht im Vordergrund, und wird sehr clever und in verschachtelten Rückblenden erzählt, wie ein 10 Stunden langer Mafiafilm.

Das Spiel selbst ist schon 20 Jahre alt, aber dieses Remake aus 2020 hat außer der Geschichte wenig mit der PS2-Version gemein. Die Grafikengine und das Beleuchtungsmodell sind auf ziemlich neuem Niveau, die Zwischensequenzen wurden mit Motion Capturing neu gedreht und die Sprachausgabe komplett neu eingesprochen.

Lediglich der Schwierigkeitsgrad, im Original als legendär schwer berüchtigt, ist nach wie vor auf 90er-Jahre-Niveau. Aber das lässt sich zum Glück runterregeln. Es ist keine Schande, „Mafia“ auf „Easy“ zu spielen. Auf normalem Schwierigkeitsgrad sind die Gegner nämlich Bulletsponges und halten bis zu drei Kopfschüssen aus, und Zeitlimits für Missionen sind viel zu eng.

Apropos Zeitlimits: Neben denen gibt es noch weitere Missionsdesigns aus der Spieledesignhölle, u.a. müssen Autorennen gegen fiese Computergegner mit dem ersten Platz absolviert oder verwundbare Ziele eskortiert werden. Kotz im Strahl!

Trotzdem ist „Mafia“ ein tolles Spielerlebnis, wegen der sehr guten Geschichte – und weil es nicht lang genug ist, um zu nerven.

Mafia II [XBOX 360, 2009]
1945: Vito Scarletta kommt aus dem zweiten Weltkrieg zurück und findet seine Familie in New York hoch verschuldet vor. Um die Schulden begleichen zu können, arbeitet er für die örtliche Mafia – und wird prompt geschnappt und wandert für 10 Jahre in den Bau. Als er wieder herauskommt, ist die Welt eine andere. Die Kriegswirtschaft ist vorbei, jetzt geht es um Rock´n Roll und Petticoats.

Auch hier wieder: Die Stadt ist Kulisse für einen relativ gradlinigen Shooter, der als Besonderheit eine filmische Inszenierung mitbringt. Leider ist die Geschichte arg in unzusammenhängende Episoden zerstückelt und geht nie in die Tiefe, weshalb die Charaktere blass bleiben und schnell vergessen sind. Besonders unbefriedigend ist das offene und abrupte Ende.

Gänzlich sparen kann man sich die DLCs „Jimmys Vendetta“ und „Joes Adventures“, die patchen quasi nur Open-World-Krempel ins Hauptspiel oder bringen Missionsdesigns aus der Hölle zurück (Verfolgungsjagden unter Zeitdruck und so Unfug)

Machen:

• Rücken haben

Ding des Monats:

Archiv Momentaufnahmen ab 2008

Herr Silencer im September 2022

Wetter: In der ersten Woche noch sommerlich, aber ab der zweiten ist der Herbst deutlich zu merken: Es wird kühler. Nachts noch neun Grad, tagsüber noch um die 20. Ein paar Tage Regen. Ende des Monats schon Temperaturen um die null Grad.

Lesen:

Jasper Fforde: Lost in a Good Book und The Well of Lost Plots und Something Rotten [2002, 2003, 2004 Kindle]

Die Polizistin Thursday Next hat viele Probleme: Jemand versucht sie mittels unglaubwürdiger Zufälle umzubringen, ihr Ehemann wurde aus rein geschäftlichen Gründen aus der Zeitlinie entfernt und ihr Dodo hat ein Ei gelegt. Zum Glück kann Thursday in Bücher hineinspringen und mit den fiktionalen Charakteren interagieren. So versteckt sie sich in einem Groschenroman, arbeitet für Jurisfictom, die Polizei in der Buchwelt und bereitet dort eine Strategie vor, um mit Superschurken, Megakonzernen und Mutterschaft fertig zu werden.

Das hier ist Peak-Fforde: Eine fantastische Welt und viele tolle Einfälle, locker von einer Rahmenhandlung zusammengehalten. Allein schon die Idee, dass Bücher ein eigenes Betriebssystem haben und untereinander verbunden sein können ist großartig, vollends super wird es dann, wenn eine Superschurkin mittels verminderter Entropie Morde begeht oder die Charaktere der fiktionalen Welt über das „Footnoterphone“ kommunizieren und das tatsächlich in den Fußnoten des Buches tun. „Lost in a good Book“, „Well of Lost Plots“ und „Something Rotten“ erzählen eine durchgehende, wendungsreiche und spannende Geschichte. Plock.

Hören:

–

Sehen:

Auf der Jagd [1998, Bluray]

Wesley Snipes ist ausgebüchst, Tommy Lee Jones versucht ihn wieder einzufangen. Ihm zur Seite: Robert Downey Jr.

Ah, diesen Film gucke ich immer wieder gerne. Es ist eine Fortsetzung zu „Auf der Flucht“, nur das hier nicht Dr. Kimble durch die Szenerie stolpert. Tommy Lee Jones gibt hier wieder Sam Gerard, den unbarmherzigen Deputy des US-Marshall-Service, der schon Harrison Ford das Leben schwer machte und der sich wie ein Bluthund an die Fährte der Flüchtigen heftet.

Was ich an dem Film so mag ist die Tatsache, dass in dem nicht überkomplexen Plot ausnahmslos alle Figuren schnell, clever und überaus kompetent agieren. Niemand ist hier unfähig oder ein wenig dumm. Der Flüchtige, die Verfolger, die Bösewichte – alle haben nachvollziehbare Motive und handeln intelligent, und es ist ein Genuss, den bis in die Nebenrollen hinein wirklich guten Schauspielern bei der Arbeit zuzusehen. Der Film ist hervorragend gealtert und immer noch spannend.

Fun Fact: Die Figur des Sam Gerard war tatsächlich lange Zeit mein Role-Model was Führung angeht.

Spielen:

The Last of Us, Part I [2022, PS5]
Ausführliche Rezension des Originals HIER.

Die 2022er Neuauflage für die PS5 ergänzt diesen Meilenstein der Videospielgeschichte um bessere Grafiken. Den Charakteren kann man die Emotionen jetzt an den Auge ablesen, was die emotionale Wucht dieser sehr fordernden Geschichte unterstreicht. „The Last of US“ ist auch in der PS5-Variante und mit dem Zusatz „Part I“ ein verdammtes und sehr mitnehmendes Meisterwerk.

Machen:

Tour mit der Barocca, um den Sommer verlängern. Spart Heizkosten.

Neues Spielzeug:

Ding des Monats:

Archiv Momentaufnahmen ab 2008

Herr Silencer im August 2022

Wetter: Anfang des Monats leichte Abkühlung und danach nur noch angenehm warm, aber schon in der zweiten Woche kommt die nächste Hitzewelle. Die letzten Tage wird es merklich kühler, mit 9 bis 24 Grad, regnen tut es aber die ganze Zeit über nicht.

Der schlimmste Dürresommer seit 500 Jahren, sagt man. Selbst große Flüsse führen kaum noch Wasser, Hungersteine – die ich bis dato gar nicht kannte – kommen zum Vorschein. Atomraftwerke können nicht mehr gekühlt werden, zu Kohlekraftwerken fahren keine Schiffe mit Kohle, und Wasserkraft – naja, man kann es sich denken.

Lesen:

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Hören:

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Sehen:

The Sandman [2022, Netflix]
England, 1916: Roderick Burgess ist ein selbsterklärter „Magus“, der – ähnlich wie Aleister Crowley – okkulte Rituale durchführt. Sein Ziel: Er will den Tod gefangen setzen. Durch Zufall gerät er in den Besitz eines echten Bannspruchs, und nach einer theatralischen Beschwörung materialisiert sich eine hagere, bleiche Gestalt im Bannkreis – aber es ist nicht Tod, sondern ihr jüngerer Bruder: Traum.

105 Jahre bleibt Morpheus, der Herr des Traumreiches, im Keller des Burgess´schen Herrenhauses gefangen. Seine Abwesenheit hat schlimme Folgen für die Welt: Eine „Schlafkrankheit“ breitet sich aus, Menschen können nicht mehr richtig träumen oder verlieren sich ihnen.

Als der Herr der Träume im Jahr 2022 endlich freikommt, hat er viel zu tun. Er muss wieder zu Kräften kommen, die Schäden im Traumland reparieren und entflohene Albträume einfangen. Und dann gibt es noch ein weiteres Problem: Ein junges Mädchen wird zu einem Vortex, einer Entität, die die Grenzen zwischen Träumenden einreißen und so das Universum vernichten wird. Es ist Traums Pflicht, das Mädchen zu töten.

„Every Frame a Picture“ hat selten so gestimmt wie bei dieser Serie. Beinahe jede Szene könnte man als Standbild ausdrucken und als Gemälde an die Wand hängen. Noch schöner: Die Geschichte zwischen den Standbildern ergibt einen Sinn! Dabei galt die Vorlage, die zwischen 1989 und 1996 entstandene Comicreihe, eigentlich als unverfilmbar. Viele, viel komplexe Geschichten werden darin auf über 2.000 Seiten erzählt, und oft ist Traum – der ernste, stoische, immer schlecht gelaunt wirkende Herr der Träume, nur ein stiller Beobachter, eine Nebenfigur oder ein Katalysator der Ereignisse.

Das greift die Serie wunderbar auf. Nachdem die erzählerischen Fundamente in den ersten vier Folgen gelegt sind, wagt man sich schon ab der fünften Episode an Nebengeschichten wie die von Hob Gadling, der sich über die Jahrhunderte alle 100 Jahre mit Traum in einem Pub in London trifft. Ab Folge sieben gibt es dann einen neuen Story-Arc, und ich hoffe, dass „Sandman“-Neulinge davon nicht überfordert sind – für mich als Kenner der Bücher ergibt das alles einen Sinn.

Die Erzählung der Serie ist dem Quellmaterial wunderbar nachempfunden. Die Macher:innen haben eines verstanden: Auch wenn die Vorlage als Graphic Novel schon ein stark visuell ist, so reicht es nicht, einfach exakt deren Bilder und Dialoge in das Medium Film zu übertragen. Zac Snyder hat das nie verstanden, und das ist der Grund warum sich seine Comicverfilmungen, von „300“ über „Watchmen“ bis hin zu „Batman v. Superman“ so seelenlos und schlecht anfühlen.

Nein, „Sandman“ ist eine Interpretation der Essenz der Comics, und Neil Gaiman selbst hat darauf geachtet, dass die Drehbuchautor:innen den Geist der Vorlage transportieren, ohne eine (zwangsläufig schlechtere) 1:1-Kopie zu sein.

Dazu kommt ein fantastischer Production Value. Echte Sets, dazu ein großartiger Cast – allein Stephen Frey als „Gilbert“ oder Mark Hamill als Kürbis sind eine Schau, aber Tom Sturridge als Traum, Boyd Holbrook als Corinthian und Vanesu Samunyai als Rose Walker rocken alles weg. Und bei der Performance von Kirby Howell-Baptiste als Tod, die in „The Sound of her Wings“ Menschen voller Mitgefühl und Liebe ins Jenseits geleitet, hatte ich ernsthaft Tränen in den Augen.

Dass der Cast divers, und das Geschlecht mancher Figuren ein anderes ist als in der Vorlage stört kein Bißchen, denn wie geschrieben: Der Geist der Vorlage findet sich wieder, überall, und was spricht dagegen die Rollen weißer Männer mit starken, farbigen Frauen zu besetzen? Lediglich die Besetzung von Lucifer ist ein Griff ins Klo. Ich liebe Gwendoline Christie, aber in dieser Rolle funktioniert die 1,91 große „Game of Thrones“-Ritterin leider gar nicht.

Was bei der ganzen Kunst ein wenig auf der Strecke bleibt ist das Pacing. Die Serie nimmt sich am Anfang wesentlich mehr Zeit, als sie tatsächlich für die Einführung in die komplexe „Sandman“-Welt bräuchte. Gerade die ersten vier Episoden verlassen sich ein wenig zu sehr auf ihre Bilder und erzählerische Dramatik missen.

Comicverfilmungen sind meistens eines von zwei Extremen: Marvel-Popcorn oder schlecht. Die hier ist keines von beiden. „The Sandman“ erzählt ernste, erwachsene Geschichten. Oft sehr unfantastisch, abgründig und geerdet, manchmal mit so fantastischen Bildern, das man sich wirklich in einem Traum wähnt.

Große Kunst – aber nicht perfekt. Manche Dinge sind zu glattgeschliffen, wie die 11. Episode um Kalliope, wo eine starke Geschichte um Mißbrauch und Vergewaltigung zu einem bloßen Gefangenendrama wird. Andere sind holprig – ab Episode 6 geht die Qualität der Effekte manchmal sehr merklich runter.

Trotzdem: Ein starker Start. Man kann hoffen, das erzählerisch in den (hoffentlich kommenden) nächsten Staffeln das Tempo etwas anzieht und man noch mutiger wird. Denn der gedruckte „Sandman“ war immer dann besonders stark, wenn es um Abgründe ging oder um Themen wir Trauer, Verlust und Suizid. Ich hoffe stark, das wird nicht des Mainstreams wegen ausgespart.

Trainwreck: Woodstock 99 [Netflix]
Dreißig Jahre nach dem Original Woodstock-Festival soll eine Neuauflage für die Massen her, optimiert auf maximalen Profit. 250.000 Menschen kommen auf eine abgelegene, ehemalige Luftwaffenbasis, aber schon am Einlass geht das Drama los: Es ist heiß, und die Besucher sollen am Eingang ihre Wasserflaschen abgeben und auf dem Festivalgelände etwas kaufen – für bis zu 12 Dollar die Flasche! Die meisten Festivalbesucher sind im Nu pleite, aber das ist nur der Anfang. Zu wenige Toiletten, schlechte Organisation und Hitze sorgen für eine aggressive Stimmung, die dann auf Wutmetal und die Partydrogen der 90er trifft. Am Ende trinken die Leute Fäkalien, reißen Bühnen ein und setzen die Anlage in Brand.

HBO-Doku, die unaufgeregt, aber eindrücklich anhand von Zeugenaussagen rekonstruiert, wie durch schlechte Planung und schlechtere Entscheidungen die Neuauflage des „Festivals der Liebe“ zu einem Albtraum wird, gegen den Sodom und Gomorrha harmlos wirken. Die Bilder von Tag drei sind wirklich apokalyptisch – die Menschen gebärden sich wie Tiere.

Everything, everywhere, all at once [2022, Bluray]
Evelyn und Waymond betreiben einen Waschsalon, was mehr schlecht als recht zum Überleben reicht. Sorgen macht sich aber nur Evelyn, ihr Mann hat Quatsch im Kopf und albert sich durchs Leben – bis er plötzlich sehr ernst und sichtbar verändert davon spricht, dass es viele Versionen von uns gibt, dieses Multiversum aber gerade in Gefahr ist und nur eine Evelyn es retten kann. Aber vielleicht nicht diese Evelyn.

Ein irrer Film, der einem ab Minute 1 hohe Konzentration abverlangt. Das Multiversum, springen zwischen Persönlichkeitssplittern, Fähigkeitentransfer dank falsch angezogener Schuhe – das hier ist ein High-Concept Film, aber anders als die Nolan-Streifen nimmt dieser hier sich nicht ernst und liefert zwischendurch auch schon mal grandiosen Quatsch.

Grandios liefern tut auch Michelle Yeoh. Die 60jähige brilliert hier in zig unterschiedlichen Rollen und springt irgendwann so schnell zwischen den Persönlichkeiten, das einem schwindelig wird. Dazu kommen wahnwitzige Actionszenen und eine Jamie Lee Curtis als übergewichtige, alte, verbitterte Finanzbeamtin/Wrestlerin.

Dagegen ist das Marvel-Multiversum ein Witz, und „Evyerthing, Everywhere, all at once“ schon jetzt mein Film des Jahres. Mit der Meinung bin ich nicht allein: Das Comdey-Drama erreicht auf Rotten Tomatoes einen Tomato-Score von 95% bei den Kritikern und 89% beim Publikum. Unbedingte Guckempfehlung.

Monty Pythons Ritter der Kokosnuss [Gandersheimer Domfestspiele]
931 nach Christus, England: Artus macht sich auf den Weg, Ritter für seine Tafelrunde zu rekturtieren und den heiligen Gral zu finden.

Sehr geile Umsetzung des bekannten Films „Die Ritter der Kokosnuss“ – Wortwitz und Situationskomik kommen auch in der Theaterfassung rüber, die zudem tolle Musicalelemente enthält. Durch eine Erweiterung ergibt die ganze Geschichte sogar deutlich mehr Sinn als die Filmvorlage. Das Ensemble spielt und singt hervorragend, besonder Miriam Schwan als Fee aus dem See ist eine Schau.

Das Bühnenbild ist leider wieder grottig. Minimalismus ist ja OK, aber kann man nicht wenigstens die gute Baumarktfarbe benutzen, damit nicht überall das Sperrholz durchscheint? Egal, „Spamalot“ ist großer, cooler Spaß.

Der kleine Horrorladen [Gandersheimer Domfestspiele]
Ein heruntergekommener Stadtteil New Yorks, in den 60ern: Der Blumenladen von Mr. Mushnik läuft schlecht. Das ändert sich, als eines Tages der leicht tolpatschige Gehilfe Seymour eine seltsame Pflanze ins Schaufenster stellt. Ab diesem Moment rennen die Kunden den Laden ein. Aber die Pflanze hat ein Geheimnis: Sie ernährt sich von Menschenfleich, und davon will sie viel.

Sehr launiges Musical. Bühnenbild ist unpraktisch, aber okay. Cast ist sehr toll und passt auf den Punkt, Highlights sind hier klar Lina Gerlitz als liebenswert-naive Audrey und Guido Kleineidam als Mr. Mushnik.

Miriam Schwan muss schon deshlab den Roswitha-Ring bekommen, weil sie hier in zig Rollen, unter anderem als lachgassüchtiger Schläger-Zahnarzt, zeigt, wie wandlungsfähig sie ist. Das Ganze ist zum Glück so straff inszeniert, das es keine Hänger gibt – 90 Minuten füllt der Stoff halt, bei mehr würde es langweilig. Und: Es ist die Fassung ohne Happy End, was sich der 1986er Film mit Rick Moranis ja nicht getraut hat.

Final Destination 1-5 [2000-2011, DVD/BluRay]
Arschloch-Teenager entkommen zunächst knapp dem Tod, aber der schmiedet neue Pläne und holt sich einen nach dem anderen.

Lebt von den absurden Todesarten, die fast an Rube-Goldberg-Maschinen erinnern. Platter und goofy Spaß. Der fünfte Teil macht einen netten Zirkelschluss zu Teil 1.

Young Sherlock Holmes – Das Geheimnis des verborgenen Tempels [1985, DVD]
London, 1890: Mehrere angesehene Männer sterben. Der Schüler Sherlock Holmes geht dem nach und findet einen ägyptischen Tempel unter London.

Ich habe diesen Film als Kind geliebt, und nach dem Anschauen weiß ich wieder warum: Er sprüht vor tollen Einfällen und fantastischen Ideen, er hat großen Respekt vor dem Quellmaterial und er nimmt seine Figuren ernst. Ja, das hier ist ein Film für Kinder, aber das hat 1985 niemanden davon abgehalten, auch gruselige oder traurige Szenen einzubauen. Die verfehlen ihre Wirkung nicht, denn ein junges Publikum merkt, wenn man es ernst nimmt und es begeistern will.

Das tut dieser Film, auch heute noch. Spannend und gruselig wird er vor allem wegen der Todesarten: Die Opfer halluzinieren, dass sie von Truthähnen, Kleidergarderoben, Kirchenfenstern(!) oder Sahnetörtchen(!!) angegriffen werden. Viele der Effekte sind praktisch und taugen deshlab auch heute noch (die Törtchen!) andere, wie der CGI-Ritter aus Glas, waren damals technologisches Neuland, was vorsichtig betreten wurde – und deshalb auch heute noch gut aussieht. Toller Streifen.

Spielen:

Resident Evil 3 [PS5]
Jill Valentine findet sich in einer von Zombies überlaufenden Stadt wieder, die in wenigen Stunden durch einen Atomschlag ausradiert werden soll. Verzweifelt sucht sie einen Ausweg und ein Heilmittel, wird dabei aber von einem unerbittlichen und unbesiegbaren Gegner verfolgt.

Wieder eine Kombination aus rätseln, gruseln und kämpfen, während ständig „Nemesis“ hinter einem her ist.
Atmosphärisch nicht ganz so stark wie der Vorgänger, aber mit mehr und größeren Schauplätzen und dramatischeren Geschehnissen. Das komplett neu gebaute Remake des im Jahr 2000 erschienenen Spiels für die PS4 bringt im PS5-Modus Raytracing mit – das sieht toll aus, ruckelt aber an einigen Stellen. Spielt aber keine Rolle: Das Gameplay entwickelt einen mächtigen Sog, und ich wollte immer wissen wie die Geschichte weitergeht. Sehr tolles Game.

Außerdem: Titanfall 2. Rezension davon hier.

Machen: Probefahrten mit V-Stroms.

Neues Spielzeug:

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Ding des Monats:
 

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Archiv Momentaufnahmen ab 2008

Herr Silencer im Juni 2022

Ding des Monats: Die PS-Vita

Wetter: Anfang bis des Monats wechselhaft: Sonne, aber auch mal kühlere Tage. Das schaukelt sich auf in einem Wechsel aus knalleheiß und richtig kühl, von Nachts 6 Grad bis tagsüber über 30. Am Monatsende dann Hitzewelle. Wenig bis gar kein Regen.

Lesen:

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Hören:

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Sehen:

Obi-Wan Kenobi [Disney+]
Geschichte knurk, Optik selten hui, McGregor holla, Vader staun!, restliche Schausteller hrmpf, Kinder nerv. Charaktere wackel und örgs, Pacing knack. Insgesamt: Ach.

The Batman [2022, BluRay]
Gotham City, Lederlappen, Schrecken der die Nacht durchflattert, usw.

Die Geschichte geht ungefähr so: Als alle noch dachten, das Zak Snyders DC-Universum ganz töfte würde, wollte Ben Affleck einen Batman-Film schreiben, produzieren, Regie führen und die Hauptrolle spielen. Als der Mann mit den Nazieulen dann aber den erwartbaren Müll ablieferte und das DC-Universe grandios gegen die Wand fuhr, fing Affleck vor Frust an zu saufen und das Studio bekam kalte Füße und wollte umfangreiche Änderungen. Mit jeder Drehbuchüberarbeitung hatte Affleck Dann weniger Bock – erst wollte er „seinen“ Batman nicht mehr verantworten, dann nicht mehr spielen, dann nicht mehr produzieren. Gut so, denn danach übernahm Matt Reeves, schmiss alles weg und konzipierte den hier vorliegenden Solo-Film.

Der möchte kein Action-, sondern ein Thriller und Detektiv-Film sein. Klingt nett, weil der Detektiv-Aspekt des „Mitternachtsdetektivs“ bislang in keinem Kinofilm beleuchtet wurde. In der Umsetzung beschränkt sich das aber darauf, dass Robert Pattison schlecht gelaunt an Tatorten rumsteht, sich irgendwas in den Bart brummelt und dann plötzlich die Lösung herausposaunt, ohne das man wirklich wüsste, wie er darauf gekommen ist – durch Detektivarbeit jedenfalls nicht. Actionsequenzen zur Auflockerung gibt es tatsächlich nur wenige, und die sind unspektakulär.

Reeves fokussiert auf Unterhaltungen zwischen den Charakteren. Da die Dialoge aber meist platt sind und die Figuren vornehmlich grimmig gucken und ihre Motive unklar sind und sich alle, allesamt, wie Arschgeigen benehmen, bleiben die Interaktionen sehr egal.

„Der Batman“ möchte kein Actionfilm sein, sondern ein Thriller im Stil von „Seven“ – das gelingt ihm aber nicht, zu unspannend und langatmig ist die Geschichte erzählt, und wenn man als Zuschauer über drei Viertel der Laufzeit von fast drei Stunden nicht mal weiß, um was es geht oder was auf dem Spiel steht, wird´s halt arg zäh.

Highlight ist Zoe Kravitz als Einbrecherin. Der Rest ist stylisch und düster, aber auch beliebig und letztlich Wurst. Eine düster dröhnende Wurst, aber eben Wurst und ganz sicher kein „Super-Noir-Thriller“ als den die Werbung den Streifen verkauft. Kann man angucken, ist kein Totalausfall, aber eben auch keine bleibende Erinnerung.

Nobody [BluRay, 2021]
Vorstadt, Frau, Kinder, immer der gleiche Alltag – Bob Odenkirk hat ein ruhiges Leben. Das ändert sich, als eines Nachts Einbrecher seine Familie bedrohen. In der konkreten Situation wirkt der Familienvater gefasst, aber hilflos. Kurz darauf stellt sich heraus, dass der Zwischenfall eine alte Sucht in ihm geweckt hat.

Holy Shit meine Güte WAS IST DAS?!

„Nobody“ ist mit Sicherheit einer der brutalsten Filme, die ich seit langer Zeit gesehen habe. Aber was will man erwarten, wenn der Drehbuchautor von „John Wick“ ein Drehbuch schreibt, das vom Regisseur von „Hardcore Henry“ umgesetzt wird?

So überraschend wie die handgemachte Action ist auch die Besetzung. Bob „Better Call Saul“ Odenkirk hätte man den Actionhelden nie zugetraut, aber hier prügelt, schnetzelt, schießt und blutet er sich hier durch gefühlt Dutzende von Situationen. Jede Actionsequenz ist übrigens so gefilmt, dass man immer weiß wer wo steht und was gerade passiert – Schnittmassaker mit 25 Schnitten in 10 Sekunden, wie in jüngsten Actionfilmen aufgrund von Unvermögen passieren oder, wie im Fall der Liam Neeson-Streifen, um zu kaschieren das der Protagonist schon weit im Rentenalter ist, passieren hier nicht. Auch, weil Odenkirk wirklich fit ist. Der Rest vom Cast ist ebenfalls überraschend – ich habe ein wenig Schnappatmung bekommen, als ein alter Bekannter aus „Zurück in die Zukunft“ auftauchte.

Storytechnisch gibt es durchaus interessante Einfälle. Das die Motivation des „Helden“ mal nicht von Außen kommt, sondern intrinsisch ist und nicht auf dem Wunsch nach Rache oder Schutz der Familie basiert, ist schon spannend, das hat man so noch nicht gesehen.

Wer gute Actionfilme á la „John Wick“ oder „The Hunt“ mag, der muss „Nobody“ gesehen haben.

Titane [Amazon Video, 2021]
Alexia hat als kleines Mädchen einen Autounfall und bekommt deswegen eine Titanplatte in den Schädel gesetzt, worauf sie sich sexuell zu Fahrzeugen hingezogen fühlt. Nach einer Nacht in/mit einem Auto wird sie schwanger und Motoröl läuft aus ihren Brustwarzen und ihr Bauch droht von einer Titankugel gesprengt zu werden. Doof, das es ausgerechnet jetzt mit ihrem Hauptjob als Mörderin auch nicht so doll läuft, und so verändert sie ihr aussehen und gibt sich als Mann aus.

Bodyhorror ist eigentlich ein tolles Genre, Filme wie „Die Fliege“ gruseln bis heute. Aber warum sind die Geschichten oft so verquast? „Titane“ anzugucken ist Zeitverschwendung, weil die teils interessanten Szenen ab einem gewissen Punkt keinen Sinn mehr ergeben und nicht mehr sind als eine verwürfelte Nummernrevue von Ekligkeiten.

Kunstkritiker sind natürlich begeistert darüber, das sich hier ein hormongeschwängerter Boomermann die Bauchmuskeln anzündet und jodeln darüber als „Entzieht sich Interpretationen“, „Feministische Freiheit im Umgang mit dem Körper“, „Dekonstruiert Geschlechterrollen“ und „Radikale Erfindung der eigenen Identität“ und ich sehe auch die Punkte – aber ich erkenne halt auch schlechtes Storytelling und Beliebigkeit, und das Verzeihe ich nicht, nur um mich an meinem eigenen Kunstwissen zu berauschen oder zu behaupten Titane“ sei der nächste „Parasite“. Ist er nicht. „Titane“ hat genau eine nette Idee, aber die Macherin hat zu viel Cronenberg geguckt und ist im Schnitt versumpft.

Dr. Strange in the Multiverse of Madness [Disney+]
Sumthing sumthing Dr. Strange und irgendwas mit der Scarlett Witch.

Tja, ach. Nett gemacht, aber etwas ohne Vorwissen und Kontext unverständlich. Nett: Das hier zur Hälfte ist ein Sam Raimi-Film, inkl. „Army of Darkness“-Referenzen und Bruce Campbell. Das macht Spaß. Die andere Hälfte ist zu lange gekauter Kaugummi.

Matrix Ressurections [BluRay]
Neo und Trinity sind wieder da, aber niemand hat eine Erinnerung an die vorhergehenden Ereignisse und überhaupt: Warum sind sie wieder da?

Ja, „warum nur“ habe ich mich ohnehin gefragt. Muss man „Matrix“ 25 Jahre nach dem ersten Film fortsetzen? Und falls ja: Wie setzt man eine Geschichte fort, die sich ins popkulturelle Gedächtnis bis auf Meme-Ebene eingebrannt hat? Dinge wie „Bullett Time“ oder „Agenten“ oder „ach guck zwei schwarze Katzen, das ist ein Fehler in der Matrix“ kennt jeder, und der Glauben, in einer Simulation zu leben wird ja selbst von Querdenkern oder Elon Musk vor sich hergetragen.

Dieser Film macht etwas Interessantes aus diesem Dilemme und reitet genau diese Memes und das Wissen um die Matrix auf einer Meta-Ebene, über die Keanu Reeves erstaunt guckend stolpert, während das Drehbuch die ganze Zeit den Zuschauern ein „Hier, kennste, kennste?“ zuzwinkert und sich wonnig in Selbstreferenzialität suhlt wie ein Schwein im Schlamm. Das wird viel zu lange gemacht – wenn es endlich losgeht und die Geschichte halbwegs an Fahrt gewinnt, ist bereits Minute 100 erreicht. Das Ende rettet diese unnötige Fortsetzung, insgesamt aber leider kein guter Film.

Rambo: First Blood [1982, Bluray]
Vietnamveteran John Rambo hat nach Ende des Kriegs kein Ziel mehr und streift durch die USA, um ehemalige Kollegen zu besuchen. In einer Kleinstadt wird er von der örtlichen Polizei erst drangsaliert, dann mißhandelt. Dadurch brechen bei Rambo alte Traumata aus der Kriegsgefangenschaft auf. Er flieht in die Wälder und liefert sich einen blutigen Kampf mit Polizei und Nationalgarde.

Ich kannte die Rambo-Filme nur als popkulturelles Bild, als Meme („blaues Licht“) und hatte immer gehört, das der erste Film gar nicht schlecht sei. Das stimmt tatsächlich: Handgemachte und oft für das Budget erstaunlich gute Action, und als unterliegendes Thema der Umgang der Zivilgesellschaft mit einer Generation von Männern, die alles für ihr Land gegeben haben, und nun nicht mehr gewollt sind.

Rambo: First Blood Part II [1985, Bluray]
Rambo soll Kriegsgefangene in Vietnam suchen, aber nicht befreien. Als er das doch tut und sich nebenbei mit Russen anlegt, sind die USA nicht erfreut.

Ganz, ganz schlimmer Scheiß, schlecht erzählt, mies gefilmt und geschnitten und Stallone spielt, als hätte er einen Schlaganfall gehabt. Jegliche tiefere Moral ist weg, hier geh es nur noch um Knall-Bumm.

Rambo III [1988, BluRay]
Irgendwas mit Afghanistan und blauem Licht.

Auch ganz, ganz schlimmer Scheiß, nicht ganz so handwerklich schlecht wie Teil 2, aber immer noch schlecht.

John Rambo [2008, BluRay]
Irgendwas mit Burma, und am Ende schießt Rambo alles weg.

Wirkt so als hätte jemand die Rambo-Parodie aus Hotshots nochmal in Ernst verfilmt. Nebenbei macht sich das Drehbuch über humanitäre Helfer lustig. Die unterliegende Botschaft des Films lautet: Wer an Frieden glaubt ist naiv, nur Waffengewalt ist eine Lösung. Schrecklich.

Rambo: Last Blood [2018, BluRay]
Rambo lebt auf der alten Farm seines Vaters in Arizona. In unterirdischen Tunnels sprengt er mexikanische Menschenhändler weg.

Dieser Film ist unnötig brutal, offen rassistisch und gefährlich dumm. Damit traf der Streifen vermutlich den Nerv der Trump-Jahre, und zwar so sehr, das einem als normaler Mensch schlecht wird. Mexikaner werden nahezu durchgehend als Diebe, Verräter und Verbrecher dargestellt, die amerikanische Frauen rauben.

Vom Story-Konstrukt fangen wir lieber nicht an. Allein die Idee, das Rambo unter seiner Farm ein kilometerlanges Tunnellabyrinth buddelt, weil er ja in Vietnam in Tunnels traumatisiert wurde, ist so dämlich, dass man sich jeglichen Kommentar sparen kann.

Spielen:

Persona 5 Golden [PS Vita]
Japan, ein kleiner Ort auf dem Land: TV-Geräte, die auf keinen Sender eingestellt sind, zeigen nur verrauschten Schnee. Aber in nebeligen Nächten, genau um Mitternacht, sind in diesem statischen Rauschen die schemenhaften Umrisse von Personen zu sehen. In den folgenden Nächten werden die Umrisse deutlicher erkennbar, und kurze Zeit später werden die Personen, die im „Mitternachtskanal“ aufgetaucht sind, tot aufgefunden.

Eine Gruppe Highschool-Kids entdeckt das sie die Fähigkeit haben, von der realen Welt durch Fernsehgeräte in die TV-Welt zu wechseln, in der sie über Zauberkräfte verfügen. Gemeinsam machen sie sich daran die Personen zu retten, deren Tod der Nebel ankündigt.

Bizarres Szenario, aber toll gemacht. „Persona“ ist ein rundenbasiertes Action-Rollenspiel, bei dem es nur sinnvoll weiter geht, wenn neben den Kampfeinlagen in der TV-Welt soziale Beziehungen in der realen Welt aufgebaut und gepflegt werden und der Schulalltag gemeistert wird. Zeit mit Freunden, Arbeit und Studium zu verbringen ist genauso wichtig wie Monster verhauen und Menschen retten, und beides in Kombination macht einen irren Spaß – zumal hier stets die Motivationen klar sind und (nie unfaire) Zeitlimits dafür sorgen, dass hier keine Beliebigkeit entsteht. Die Grafik ist selbst auf der PS Vita super und der Soundtrack einfach mitreissend.

Persona 4 kam 2008 für die Playstation 2 raus, die „Golden“-Version erschien 2012 für die Playstation Vita und 2021 für den PC. Sie glänzt durch mehr Charaktere, einen neuen Epilog und besseres Gameplay – und ja, das macht auch nach den über 110 Stunden noch Spaß, die ich in die spannende Story versenkt habe.

Machen:

Neues Spielzeug:

Ein ASUS Zenbook mit dem kryptischen Namen UM425UAZ-KI023T. Mit 14 Zoll und 1,2 Kilo ein wenig größer als es mir für ein Reisenetbook lieb ist, hier hatte das lüfterlose Asus X205 mit 11,6 Zoll und 900 Gramm Maßstäbe gesetzt. Das Zenbook löst in Teilen das Medion-Netbook ab, dessen Tastatur wegen zu kleiner, runder und rutschiger Tasten einfach nicht vernünftig nutzbar ist.

Die neue Kiste bringt eine ordentliche und beleuchtete Tastatur mit, dazu ein gutes Display, gute Lautsprecher, 16 GB RAM, 1 TB Speicher, Windows 11 und eine Laufzeit von 14 Stunden. Alles „nach Militärstandards zertifiziert“ in Hinblick auf Temperatur, Feuchtigkeit und Schlagfestigkeit. Nicht hundertprozentig ideal für Reisen, war aber gerade um 500 Euro runtergesetzt und ist gut für den Moment.

Archiv Momentaufnahmen ab 2008